Esta conversación con Xavier Diaz-Latorre, profesor de cuerda pulsada de música antigua de la Esmuc, nos ofrece pistas para comprender algunos de los aspectos más innovadores de la forma en que está escrita la partitura definitiva del Orfeo de Claudio Monteverdi, cuya edición final se realizó después de estrenada la obra.

Diaz-Latorre sostiene la hipótesis que el compositor agregó sutilezas interpretativas en su forma de escritura, con el propósito de consignar su personal interpretación de las nuevas corrientes vanguardistas de la época y el resultado sonoro final de las interpretaciones reales de la obra. Nos recuerda que las nuevas ideas musicales repudiaban el contrapunto clásico, abogaban por texturas monódicas con acompañamiento e introdujeron inusitados modos de gestionar disonancias y artificios musicales. Todo ello siempre con la consigna inexorable de hacer explícito el texto de la música vocal y expresar clara e hiperbólicamente los afectos contenidos en éste, o mejor dicho, la exégesis afectiva y efectiva que el propio compositor realizó de cada texto que musicalizaba.

Todo este trabajo de gestión retórica de la música demanda una forma de pensar del intérprete un tanto distinta de la habitual.

En esta primera entrega, os proponemos las reflexiones sobre las transformaciones operadas al iniciar el siglo XVII en la estética musical y general en el norte de Italia, en el sentido más amplio, que incluye tanto el pensamiento y los discursos como las prácticas compositivas e interpretativas.  

Las academias y cameratas fueron instituciones determinantes para el arte y el pensamiento de finales del siglo XVI. De la Accademia degli Incamminati, fundada en Bolonia por Annibale, Ludovico y Agostino Carracci (1590), surgieron artistas como il Guercino o Guido Reni.